Notes libres : Annie Le Brun, Ce qui n’a pas de prix, beauté laideur et politique, 2018

English translation below.

Cette nouvelle forme de post se veut être un partage des ouvrages importants dans la construction de ma réflexion de thèse, néanmoins, ce ne sont ni des synthèses ni des avis analytiques ou critiques sur lesdits ouvrages, simplement un partage de notes/fiche de lecture.

Ce billet engage les notes prises lors de la lecture de cet ouvrage dans une vision très personnelle, et avec une envie de partage de savoir dans une optique du libre.

Ces notes ne sont pas exhaustives et engagent un prisme et un biais qui m’est personnel.

Dans l’attente d’en discuter, j’espère que cela pourra être utile et te donnera l’envie de lire le livre entier.

Annie Le Brun est une écrivaine, poétesse surréaliste et critique littéraire.

p28 recours systématique  à un accompagnement théorique venu en droite ligne des philosophies de la déconstruction, autorise toutes les arguties pour brouiller les pistes sur ce qui est en train de se passer

p30 blancheur du white cube garantie par deux décennies de déconstruction philosophique 

pouvoir de prédation des riches  : cf “amasseurs d’art” Rhonda Liebermann

p32 artistes-marques : style immédiatement identifiable, tel un logo

p33 hégémonie prédatrice de l’argent via kitsch : célébrer la souveraineté incontestée de l’argent

(exemple : financial art : Wolfgang Ulrich “sieger Kunst” 2016, art des vainqueurs)

p50 il est inutile de regarder pour voir quand il est désormais des “opérateurs verbaux” pour y suppléer

noirblanc : concept clé 1984 George Orwell (exemple : le Vantablack qui annihile perspective et horizon)

p54 la sidération comme nouveau rapport au monde (Annie Le Brun oppose ici la sidération au discernement)

(exemple de sidération par le biais de l’énormité des oeuvres d’art : Damien Hirst : gigantisme “Trésors de l’épave de l’incroyable” Venise 2017 + réflexion sur le matériau formol)

p64 nos sociétés traitent de plus en plus les êtres comme des choses (cf déshumanisation)

p65 l’art contemporain est inséparable de l’histoire des déchets

p67 manipulation du sens à travers de la sensation : arme du déni

sensation > représentation

une alternative possible soulevée par Annie Le Brun : André Breton et son humour noir = révolte supérieure de l’esprit

p73 manipulation du sens à travers celle des sens -> sensationnalisme vient neutraliser toute force de négation

p92 expropriation du corps répondant à la confiscation de l’espace public

p96 la moindre manifestation de ce qui n’a pas de prix doit être immédiatement neutralisée sinon détournée, pervertie voire annihilée

p104 intensive marchandisation des signes de la rébellion (ex : punk)

p105 : cas de dépossession de soi provoqués par le travail numérique qui abstrait l’individu de la réalité du monde

p107 neutralisation des signes inhérente à la marchandisation du monde (exemple : l’expo Carambolage @ Grand Palais en 2016)

p107 dogme de la compétition

p108 sport compétitif = glorification de la soumission volontaire : la soumission est exemplaire car spectaculaire (cf sacrifice)

p109 : tatouage : désir persistant de marquage, d’appartenance et de singularité fictive

p114 ère post-vérité : déclarer équivalents faits et opinions : faits objectifs ont moins d’influence pour moduler l’opinion publique que les appels à l’émotion et aux opinions personnelles (exemple : la presse fait croire à l’équivalence réalité/vérité -> ressemblance/vraisemblance)

p116 tout devient interchangeable parce que marchandisable

Annie Le Brun cite ici : Elisée Reclus, Du sentiment de la nature et des sociétés modernes et autres textes, Anthologie composée par Joel Cornuault, 2002 p 65 : Là où le sol s’est enlaidi, là où toute poésie a disparu du langage, les imaginations s’éteignent, les esprits s’appauvrissent, la routine et la servilité s’emparent des âmes et les disposent à la torpeur et à la mort.

= relie prédation, laideur et servitude

p123 esthétisation du monde tue les arts et traditions populaires (exemple : ancien musée des arts et traditions populaires devient en 2017 la Maison LVMH Arts Talents Patrimoine (c’était le premier musée ethnographique créé en 1937 sous le Front populaire)

ici Annie Le Brun fait référence à la “LVMHisation tous azimuts” de Christophe Alix et Sibylle Vincenton in article Libé “Encore un musée LVMHisé” le 8 mars 2017 (exemple : collection Chtchoukine @ fondation Louis Vuiton en 2016 sous l’égide de Poutine pendant les bombardements d’Alep en Syrie)

p139 La métaphore du réseau comme sa réalité informatique ne sauraient faire illusion sur son mode de fonctionnement centripète. Ce qui se confirme jour après jour à travers une croissante édification de murs, prisons, frontières ou même de groupes sociaux ou ethniques, où vient se répéter à chaque occasion le principe d’expulsion qui commande désormais tous les aspects de l’existence. On expulse pour investir, comme en témoigne la gentrification des villes qui, sous prétexte d’esthétisation, génère la laideur policée de l’entre-soi.

p145 Annie Le Brun donne l’exemple de Benetton en Patagonie en 1997 : implantation forcée d’élevages ovins sur le territoire Mapuche pendant que la collection privée d’oeuvres d’arts de Benetton par le biais de la fondation Imago Mundi promeut la variété et la tolérance

p148 annexer toute forme de divergence : asphyxie par similitude (exemple : luxe éco-responsable)

p146 Annie Le Brun rappelle que le prix Nobel a été créé par un fabricant d’armes : Alfred Nobel, chimiste et industriel de l’armement, on lui doit 350 dépôts de brevets d’invention dont le plus célèbre celui de la dynamite.

p147 prendre le maquis de sa solitude

p147 après avoir colonisé tous les ailleurs pour rendre l’Autre semblable à lui même, ne restait plus à  ce monde que de coloniser sa propre altérité intérieure

p149 les élites du réalisme globaliste, reconnaissant pour paradigme de ce temps les cultural studies, instrumentalisent l’émergence des minorités en tous genres pour liquider habilement l’idée de singularité

C’est ce qu’Annie Le Brun qualifie de dynamique centripète : “ramener vers le centre les expulsés de l’idéologie, les déportés du pouvoir symbolique” (elle cite Nicolas Bourriaud, dans L’exforme, p139)

p151 déserter tranquillement le cours des choses

p152 le plus sûr moyen de trouver la route vers le “nouveau monde” est de retourner vers le trésor des rêves enfouis

p152-153!!!

L’extraordinaire est que jusqu’à aujourd’hui, en dépit des plus sombres présages qui s’amoncellent à l’horizon, de tels espaces continuent d’apparaître. C’est même à travers eux, encore à l’abri de ce qui menace “l’outsider art” faute d’être marchandisables, que s’affirme la possibilité d’accéder à un autre monde, faisant naïvement brèche dans le continuum de la société informatique. Il n’est que de considérer pour la France la récente recension de trois cent cinq inspirés des bords de route. (cf Bruno Montpied, les gazouillis des éléphants, 2017) Malgré leur origine modeste, ignorants les uns des autres, chacun d’eux s’est offert le luxe de refuser la banalité que ce monde lui concédait, pour de plus en plus habiter son rêve. Compte tenu de la disparition de la culture ouvrière dans tous les pays occidentaux allant de pair avec la gadgétisation des cultures populaires partout ailleurs, ce genre de floraison prend une valeur exemplaire. D’autant que s’y retrouvent “des objets, des images, gagarisant parfois des icônes culturelles” (Montpied, p18) venus de la culture de masse,  mais qui, réutilisés à contre-emploi, manipulés cassés, démontés, y perdent leur force aliénante pour participer à la métamorphose. Du coup, apparaissant comme la plus inattendue des surprises sur fond de banalité intégrée, chacun de ces lieux est d’abord une critique concrète des conditions de vie auxquelles la majorité consent. Critique radicale de la médiocrité pavillonnaire mais aussi de l’esthétique des parvenus dont s’enorgueillissent la quasi-totalité des grandes réalisations architecturales de ce temps. Car, fussent-ils presque toujours de dimension réduite, ces jardins, ces demeures, ces enclos sont aussi et d’abord, des espaces-mondes, où l’invention de l’ici appelle l’ailleurs. 

p156 cite André Breton in Surréalisme et peinture (1928) “l’oeil existe à l’état sauvage” 

p157 Jusqu’à quand assisterons nous sans rien dire à cette colonisation de nos paysages intérieurs ?

p157 rêveurs-bâtisseurs

p160 cite Stendhal cité par Baudelaire dans ses Salon de 1846 : “Il y a autant de sortes de beautés qu’il y a de manières habituelles de chercher le bonheur.”

p165 liberté de l’espace intermédiaire qui s’y découvre, accessible à tous mais où chacun est alors à même de trouver le passage par lequel il peut se réapproprier le monde

p166 pour Aby Warburg, certaines images sont capables de conserver et transmettre, d’une époque à l’autre, l’énergie émotive

p168 chemins de traverse

English :

Annie Le Brun is a writer, surrealist poet and literary critic.

p28 systematic recourse to a theoretical accompaniment in line with the philosophies of deconstruction, authorizes all the arguments to blur the tracks on what is happening

p30 the whiteness of the white cube guaranteed by two decades of philosophical deconstruction 

Predatory power of the rich: cf “art gatherers” by Rhonda Liebermann

p32 branded-artists : immediately identifiable style, like a logo

p33 the predatory hegemony of money via kitsch: celebrating the undisputed sovereignty of money

(example: financial art: Wolfgang Ulrich “sieger Kunst” 2016, art of winners)

p50 it is useless to “look to see” when it is now “verbal operators” that supplement the very action of seeing

noirblanc: key concept 1984 George Orwell (example: the Vantablack which annihilates perspective and horizon)

p54 the sideration as new relation to the world (Annie Le Brun here opposes sideration to discernment)

(example of sideration through the enormity of works of art: Damien Hirst: gigantism “Treasures of the wreck of the incredible” Venice 2017 + reflection on the formalin material)

p64 our societies increasingly treat beings as things (cf dehumanization)

p65 contemporary art is inseparable from the history of waste

p67 manipulation of meaning through sensation: weapon of denial

sensation > representation

a possible alternative raised by Annie Le Brun: André Breton and his black humor = superior revolt of the spirit

p73 manipulation of the meaning through that of the senses -> sensationalism comes to neutralize any force of negation

p92 expropriation of the body responding to the confiscation of public space

p96 the slightest manifestation of what is priceless must be immediately neutralized if not diverted, perverted or even annihilated

p104 intensive commodification of signs of rebellion (ex: punk)

p105: cases of self-depossession caused by digital work that abstracts the individual from the reality of the world

p107 neutralization of the signs inherent in the commodification of the world (example: the exhibition Carambolage @ Grand Palais in 2016)

p107 competition dogma

p108 competitive sport = glorification of voluntary submission: submission is exemplary because spectacular (cf sacrifice)

p109: tattoo: persistent desire for marking, belonging and fictitious singularity

p114 post-truth era: declare facts and opinions equivalent : objective facts have less influence to modulate public opinion than calls for emotion and personal opinions (example: the press makes us believe in the equivalence reality/truth -> resemblance/likelihood)

p116 everything becomes interchangeable because merchantable

Annie Le Brun quotes here: Elisée Reclus, Du sentiment de la nature et des sociétés modernes et autres textes, Anthologie composed by Joel Cornuault, 2002 p 65: Where the ground has become ugly, where all poetry has disappeared from language, imaginations are extinguished, Spirits become impoverished, routine and servility seize souls and dispose them to torpor and death.

= she links predation, ugliness and servitude

p123 aestheticization of the world kills popular arts and traditions (example: former museum of popular arts and traditions becomes in 2017 the Maison LVMH Arts Talents Patrimoine (it was the first ethnographic museum created in 1937 under the Popular Front)

here Annie Le Brun refers to the “LVMHisation in all directions” by Christophe Alix and Sibylle Vincenton in Libération “Encore un musée LVMHisé” on 8 March 2017 (example: Shchukin collection @ Louis Vuiton Foundation in 2016 under the aegis of Putin during the bombing of Aleppo in Syria)

p139 The metaphor of the network as its computer reality can not delude on its centripetal mode of operation. This is confirmed day after day through a growing construction of walls, prisons, borders or even social or ethnic groups, where the principle of expulsion that now commands all aspects of life is repeated on every occasion. We expel to invest, as evidenced by the gentrification of cities which, under the pretext of aestheticization, generates the policed ugliness of the exclusive microcosms.

p145 Annie Le Brun gives the example of Benetton in Patagonia in 1997: forced establishment of sheep farms in the Mapuche territory while the private collection of works of art of Benetton through the Imago Mundi Foundation promotes variety and tolerance

p148 annex any form of divergence: asphyxia by similarity (example: eco-responsible luxury)

p146 Annie Le Brun recalls that the Nobel Prize was created by a weapons manufacturer: Alfred Nobel, a chemist and armaments industrialist, who owes 350 patent filings of invention including the most famous that of dynamite.

p147 take the maquis of our solitude

p147 after having colonized all the elsewheres to make the Other similar to himself, there only remained for this world to colonize its own inner otherness

p149 the elites of globalist realism, recognizing for paradigm of this time the cultural studies, instrumentalize the emergence of minorities in all kinds to deftly liquidate the idea of singularity

This is what Annie Le Brun describes as a centripetal dynamic: “bring back to the centre the expelled from ideology, the deportees from symbolic power” (she quotes Nicolas Bourriaud, in L’exforme, p139)

p151 quietly desert the course of things

p152 the surest way to find the road to the “new world” is to return to the treasure of buried dreams

p152-153!!!

The extraordinary thing is that until today, despite the darkest omens piling up on the horizon, such spaces continue to appear. It is even through them, still sheltered from what threatens “the outsider art” for lack of merchantability, that the possibility of accessing anothers world asserts itself, naively breaching the continuum of the computer society. It is enough to consider for France the recent review of three hundred and five inspired folks on the roadsides. (cf Bruno Montpied, Les gazouillis des elephants, 2017). Despite their modest origin, ignorant of each other, each of them offered each other the luxury of refusing the banality that this world granted them, to increasingly inhabit their dream. Given the disappearance of working class culture in all Western countries going hand in hand with the gadgetization of popular cultures everywhere else, this kind of flowering takes an exemplary value. Especially since there are “objects, images, sometimes winning over cultural icons” (Montpied, p18) from mass culture, but which, reused against-use, manipulated broken, disassembled, lose their alienating force to participate in the metamorphosis. Thus, appearing as the most unexpected of surprises on a background of integrated banality, each of these places are first of all a concrete critique of the living conditions to which the majority consents. A radical critique of the mediocrity of the pavilions, but also of the aesthetics of the dwellings, of which almost all the great architectural achievements of our time are proud. For, almost always of reduced size, these gardens, these residences, these enclosures are also and first of all, world-spaces, where the invention of the here calls up the elsewhere. 

p156 quotes André Breton in Surrealism and painting (1928) “the eye exists in it’s savage state”

p157 Until when will we witness this colonization of our interior landscapes without saying anything ?

p157 dreamers-builders

p160 quotes Stendhal quoted by Baudelaire in his 1846 Salon: “There are as many kinds of beauties as there are usual ways of seeking happiness.”

p165 freedom of the intermediate space that is discovered, accessible to all but where everyone is then able to find the passage through which he can reappropriate the world

p166 for Aby Warburg, some images are able to preserve and transmit, from one era to another, the emotional energy

p168 side roads

Notes libres : Geoffroy de Lagasnerie, 3, Une aspiration au dehors, Paris, Flammarion, 2023, 204 p.

English translation below.

Cette nouvelle forme de post se veut être un partage des ouvrages importants dans la construction de ma réflexion de thèse, néanmoins, ce ne sont ni des synthèses ni des avis analytiques ou critiques sur lesdits ouvrages, simplement un partage de notes/fiche de lecture.

Ce billet engage les notes prises lors de la lecture de cet ouvrage dans une vision très personnelle, et avec une envie de partage de savoir dans une optique du libre.

Ces notes ne sont pas exhaustives et engagent un prisme et un biais qui m’est personnel.

Dans l’attente d’en discuter, j’espère que cela pourra être utile et te donnera l’envie de lire le livre entier.

Geoffroy de Lagasnerie est philosophe et sociologue. Il est professeur à l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy.

p20 modes de vie non répressifs

p 34 Georg Simmel : c’est le secret qui définit une relation (ce n’est pas ce qu’on se dit mais au contraire ce qu’on ne se dit pas qui constitue le meilleur critère pour distinguer une relation d’une autre)

p 44-45 Lorsqu’elle devient un mode de vie, qu’elle devient l’objet d’une culture spécifique qui occupe le coeur de l’existence, le lieu d’investissement des intérêts psychiques et non ce qui reste après la famille, le travail, les voisins etc, l’amitié pourrait être interprétée comme la recherche d’un dehors. 

C’est une pratique dont le but et la finalité sont la possibilité de sortir des relations instituées pour reconfigurer un autre rapport à soi et aux autres. Lorsque l’on est avec des amis, il arrive parfois que chacun ressente une sorte de moment de grâce, du bonheur pur d’être avec l’autre, ou les autres, et je pense que cette sensation relève d’un sentiment d’accès à un dehors de soi et de la société en général. Ce serait comme sentir dans et à travers la pratique amicale, la virtualité d’un autre soi et la possibilité d’éprouver d’autres formes de relationnalité et d’affectivité. 

p46  On ne peut comprendre la signification sociologique et surtout l’importance existentielle de l’invention de nouveaux modes relationnels qu’à condition de l’intégrer à une problématisation renouvelée de la question de l’utopie et de l’aspiration à devenir autre. 

p47 Dans Comment vivre ensemble, Barthes s’intéresse à cette question obsédante qui définit le champ d’investigation de l’utopie : celle de la possibilité d’élaborer son existence en dehors des logiques ordinaires de la domination et de la soumission aux autres. 

p48 le fantasme de la vie idiorythmique est décrit par Barthes (Comment vivre ensemble) comme l’exact opposé du système-famille.

p53 Cultiver l’amitié comme mode de vie est une pratique existentielle traversée, comme toutes les démarches utopiques, par une aspiration au dehors des formes normatives de la vie en société. (…) p54 Le dehors de la société n’est pas à rechercher dans l’instauration impossible d’une contre-société. Il se trouve dans l’invention d’une autre pratique de la relationnalité.

p53 La question de l’amitié fonctionne comme une force oppositionnelle aux mécanismes d’absorption dans les cadres et les rôles donnés, et permet de maintenir une extériorité par rapport aux formes solidifiées de l’existence.

p122 amicaliser l’amour et vivre des relations amoureuses sur le modèle de l’amitié

p125 l’amitié comme force inventive 

p129 Le type de relation que nous vivons permet de vivre des expériences ou d’adopter des attitudes d’ordinaire éprouvées a des ages différents de la vie : avoir en meme temps 20ans, 30ans, 50ans. Il ne s’agit pas de “prolonger la jeunesse” ni de vieillir prématurément. Vivre intensément avec des personnes d’ages différents ouvre un accès à une cumulativité des expériences et des rapports au monde que n’autorise pas une relation à l’intérieur de laquelle tout le monde à le même age. 

p131 mode de vie autonome 

Brouiller les frontières d’âge permet de vivre des attitudes normalement propres à des moments différents de la vie, en même temps et non pas comme des phases – comme des parcelles de soi, qui constituent ensemble ce que l’on est, et qui peuvent pour cette raison persister dans le temps, au sein d’un même être et devenir le foyer de l’invention d’une identité singulière. 

p136 Flaubert “L’inspiration ça consiste à se mettre devant sa table de travail tous les jours à la même heure” 

p137 Elle (l’amitié) participe à l’élaboration non pas de l’œuvre directement, mais d’un rapport au champ culturel, d’un habitus, d’une manière d’être au monde, qui informe ensuite les écrits. Lorsqu’elle devient un mode de vie imbriqué à l’activité de création symbolique, la création relationnelle affecte les manières de penser, les modes d’écriture, le rapport aux institutions. 

p150 Foucault : l’univ = espace de raréfaction de la prise de parole

p153 donner un sens de la légitimité auctoriale et un sentiment au droit à écrire

p195 cite Langage et pouvoir symbolique, 1979 (Bourdieu)

“Entre le dernier reçu et le premier collé, le concours crée du tout ou rien pour la vie. L’un sera polytechnicien avec, tous les avantages afférents, l’autre ne sera rien.”

p196 Pierre Bourdieu nous incite à accéder à une vision pathétique de la société, lieu d’une lutte désespérée pour la reconnaissance et l’accès à l’humanité. (…) ce qui est recherché c’est le capital symbolique c’est à dire la reconnaissance, le sentiment d’exister et de compter.

p198 Tout sacré à son complémentaire profane, toute distinction produit sa vulgarité – en sorte que “l’accès de la classe distinguée à l’être” aura inévitablement pour “contrepartie inévitable la chute de la classe complémentaire dans le Néant ou le moindre Être.” Tout acte de consécration ou de reconnaissance s’opère en fonction de normes ou de critères particuliers qui ne manqueront pas d’exercer des effets de relégation et de produire des misères de position à l’égard de ceux qui ne sont pas en mesure de les satisfaire. En d’autres termes, tant que l’on reconnait aux institutions le pouvoir de nous reconnaitre et que l’on cherche à trouver en elles des justifications d’exister, on stabilise un système excluant qui implique une impossibilité de sortir de la malédiction de l’Etre et du Néant, de la vie symbolique des uns qui engendre la mort symbolique des autres.

p200 Être autonome, c’est échapper à la dialectique aliénante de la reconnaissance, c’est s’affranchir de l’emprise qu’exercent sur les esprits les institutions et les consécrations officielles. C’est tenter de s’arracher à l’insignifiance en refusant de croire à ces fictions vides et à l’inverse en se donnant à soi même ses propres fondements, sa propre logique, ses propres critères de perception. 

p201 Autonomie chez Bourdieu= pratiques d’invention d’une rationalité autonome

p201 Il y a quelque chose d’anarchiste dans la création relationnelle : ces expériences peuvent s’interpréter comme des activités à travers lesquelles les hommes et les femmes essayent d’échapper à la misère de la condition humaine en échappant aussi à toute forme de soumission institutionnelle. Les multiples petites communautés singulières qui s’engendrent à travers les relations amoureuses et amicales constituent l’un des lieux privilégiés où l’on peut “se sentir justifier d’exister, assumer, jusque dans ses particularités les plus contingentes et les plus négatives, dans et par une sorte d’absolutisation arbitraire de l’arbitraire d’une rencontre”. La vie amoureuse et la vie amicale se fondent ainsi, du moins dans leur version pure, sur une mise en suspens de la lutte pour le pouvoir symbolique.

p202 La signification existentielle de la création relationnelle se trouve dans la recherche d’une forme d’existence autonome qui s’arrache à l’arbitraire en se donnant à elle même ses propres fondements. 

English translation made by me :

Geoffroy de Lagasnerie is a philosopher and sociologist. He is a professor at the École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy.

p20 non-oppressive lifestyles

p 34 Georg Simmel: it is the secret that defines a relationship (it is not what one says but on the contrary, what one does not say that constitutes the best criterion to distinguish one relationship from another)

p 44-45 When it becomes a way of life, it becomes the object of a specific culture that occupies the heart of existence, the place of investment of psychic interests and not what remains after family, work, neighbors etc. Friendship could be interpreted as seeking an outside.

It is a practice whose purpose and finality are the possibility of leaving the established relationships to reconfigure another relationship to oneself and to others. When you are with friends, sometimes everyone feels a kind of moment of grace, pure happiness to be with the other, or others, and I think this feeling is a feeling of access to an exteriority of oneself and of society in general. It would be like feeling inside and throughout the friendly practice, the virtuality of another self and the possibility of experiencing other forms of relationality and affectivity. 

p46 The sociological significance and especially the existential importance of the invention of new relational modes can only be understood if it is integrated into a renewed problematization of the question of utopia and the aspiration to become different. 

p47 In How to Live Together, Barthes focuses on this haunting question that defines the field of investigation of utopia: that of the possibility of elaborating one’s existence outside the ordinary logics of domination and submission to others. 

p48 the fantasy of idiorhythmic life is described by Barthes (How to live together) as the exact opposite of the family-system.

exteriority in relation to the solidified forms of existence.

p122 make love relantionships more friendly and live romantic relationships on the model of friendship

p125 friendship as an inventive force 

p129 The type of relationship we live allows us to live experiences or adopt attitudes usually experienced at different ages of life: to have at the same time 20 years, 30 years, 50 years. It is not a question of “prolonging youth” or of aging prematurely. Living intensely with people of different ages opens an access to a cumulativity of experiences and relationships to the world that does not happen in a relationship within which everyone has the same age. 

p131 an autonomous lifestyle

Blurring age boundaries allows us to live attitudes normally proper to different moments of life, at the same time, and not as phases – as parcels of ourselves, which together constitute what we are, and for this reason can persist in time, within the same being and become the home of the invention of a singular identity. 

p136 Flaubert “Inspiration is to stand at your desk every day at the same time” 

p137 It (friendship) does not participates in the direct elaboration of the writing, but it does participate in a relation to the cultural field, a habitus, a way of being to the world, which then informs the writing. When it becomes a way of life embedded in the activity of symbolic creation, relational creation can affect ways of thinking, ways of writing, and our relationship with institutions.

p150 Foucault: the university = space of rarefaction of the speech

p153 give a sense of auctorial legitimacy and a sense of the right to write

p195 quotes Language and symbolic power, 1979 (Bourdieu)

“Between the last worst sudent and the first best student, competitive examination creates an “all or nothing” for life. One will be a polytechnician with all the related benefits, the other will be nothing.”

p196 Pierre Bourdieu urges us to access a pathetic vision of society, the place of a desperate struggle for recognition and access to humanity. (…) what is sought is the symbolic capital that is to say the recognition, the feeling of existing and counting.

p198 All that is sacred has its’ profane complement, any distinction produces its vulgarity – so that “the access of the distinguished class to the Being” will inevitably have for “inevitable counterpart the fall of the complementary class into the Nothingness or the least Being.” Any act of consecration or recognition takes place according to particular norms or criteria which will not fail to exert relegation effects and to produce miseries of position towards those who are not able to satisfy them. In other words, as long as we recognize the power of institutions to recognize us and seek to find in them justifications to exist, we stabilize an exclusionary system that implies an impossibility to come out of the curse of Being and Nothingness, of the symbolic life of some which generates the symbolic death of others.

p200 To be autonomous is to escape the alienating dialectic of recognition, to free oneself from the influence that institutions and official consecrations exert on minds. It is trying to escape from insignificance by refusing to believe in these empty fictions and inversely by giving oneself its own foundations, its own logic, its own criteria of perception. 

p201 Autonomy for Bourdieu = practices of invention of an autonomous rationality

p201 There is something anarchistic about relational creation: these experiences can be interpreted as activities through which men and women try to escape the misery of the human condition by also escaping any form of institutional submission. The many unique small communities that arise through romantic and friendly relationships are one of the privileged places where we can “feel justified of existing, assume ourselves even in its most contingent and negative peculiarities of our beings, in and by a kind of arbitrary absolutization of the arbitrariness of an encounter”. The love life and the friendly life are thus based, at least in their pure version, on a suspension of the struggle for symbolic power.

p202 The existential meaning of relational creation lies in the search for an autonomous form of existence that breaks away from arbitrariness by giving itself its own foundations.

Pratiques du commun artistique en Nouveau Territoire des Arts, la friche comme noeud complexe entre singulier et pluriel.

Intervention donnée lors de la journée d’études des doctorant.es de l’école doctorale allph@, avril 2021.

Le singulier, le marginal, le mal vu. Dans le monde artistique contemporain cet étranger parmi les étranges est peut-être l’artiste qui produit en squat. La notion d’occupation illégale, d’auto-détermination, la volonté de se distinguer volontairement des circuits de formation et des réseaux de diffusion, place ces artistes dans un interstice de la création contemporaine. De par des conditions de vie et de pratique hors du commun, un vivre-ensemble particulier, une façon d’envisager l’autogestion et l’horizontalité, de travailler le commun, bien particulière, ces artistes témoignent d’ambiguïtés fertiles. La distinction entre le “nous” et “les autres” met au jour des ambivalences intéressantes, la position du puriste comme figure de héros se construisant à l’encontre de tout compromis en est une illustration. La création en ces lieux est socialement et culturellement située, porteuse d’une patrimonialisation ambiguë et depuis quelques années d’un réseau de recherche alternatif qui remet en question la place de la recherche et de ces réseaux d’appartenance et de légitimation. Quelle place donner alors à la nuance ? Le héros de ces lieux est-il celui qui accepte de s’ouvrir au dehors, au risque d’y sacrifier son authenticité marginale, ou celui qui joue l’anti-héros en en reprenant parfois les codes opposés, se construisant à partir de la mythologie du puriste ? 

Si les artistes produisant en squat artistique construisent leur hétérogénéité en tant que force, s’appuyant sur les richesses internes d’un groupe et autour d’une idée du commun comme matière première du quotidien à travailler et co-construire ensemble, la réalité de la précarité et de la complexité de la vie en communauté, ainsi que son isolement du reste du monde de l’art sous des critères souvent méprisants, révèle une facette plus sombre de cette dualité entre singularité et pluralité. 

Néanmoins la diversité et la richesse innovante des différents artistes que l’on y trouve, la véritable culture transdisciplinaire qu’engage cette horizontalité, permet d’envisager ces lieux comme des espaces uniques, composés de pluralités qui forment un tout singulier, dans le sens ou il ne se rattache à aucun formalisme et qu’il prône une liberté artistique riche. Répondant à un besoin démocratique d’accès populaire à l’art et à des espaces de travail peu onéreux, les lieux alternatifs se distinguent de la norme et du réseau parfois fermé des écoles d’art, en proposant à des profils singuliers de s’inscrire dans un tout qu’il faut éprouver pour en construire des pratiques du commun artistique. 

Ainsi, ces lieux alternatifs divers, héritiers d’une culture française du squat, que l’on rassemble aujourd’hui sous l’acronyme NTA (Nouveaux Territoires des Arts), sont des noeuds de problématiques et de réseaux passionnants, jouant constamment de l’équilibre fragile entre singulier et pluriel et des multiples questionnements qui en découlent.

Réflexion méthodologique en Recherche-Création : la boîte noire nomade.

Présenté lors du second volet du séminaire recherche-création “Cartographie des pratiques” à l’Université Toulouse 2 en mai 2021.

Dans mon travail de recherche, je fais dialoguer pratique et théorie en tentant de répondre à la question “qu’est ce qui fait milieu” dans la friche, au sens large (du squat au Nouveau Territoire des Arts en passant par le simple interstice urbain). Je propose ici, afin d’en préciser le mode de fonctionnement et les enjeux, d’emprunter le parallèle du végétal et plus précisément de la malherbologie, l’étude des mauvaises herbes. 

La référence au végétal me permet de caractériser le milieu de la friche, que j’assimile à la boîte noire, une boîte noire définie comme un creuset d’émergences et un réservoir de potentialités. Mon travail consiste à explorer et investir les milieux de la friche que sont les territoires tiers ou marginaux de l’art : des ateliers, des espaces en bataille réunissant les mauvaises herbes et tout ce qui travaille et croît au sein de cet écosystème, d’en révéler ce qui circule, fait résistance et se constitue en réseau. En ce sens, la boîte noire / la friche fertile ne se replient pas sur elles-mêmes, elles se connectent au monde et deviennent alors nomade

La question de l’atelier de l’artiste, l’atelier en friche, est complexe et passionnante. De la posture d’artiste observante, je passe à celle d’artiste pratiquant la friche, avec toutes ces conditions écosystémiques, climatiques et sensibles, et ses potentiels poétiques. Je garde active la notion d’occupation illégale (mais légitime) d’espaces vacants qui constitue le cœur de mon engagement intellectuel et politique et qui représente un besoin premier pour les artistes qui m’entourent. Ainsi, les questionnements poïétiques m’intéressent, à double titre : chez les artistes que j’observe travailler et chez moi-même, au travail dans la friche, cultivant celle-ci. 

L’exploration et l’engagement s’effectuent au moyen du carnet, le carnet décliné en carnet de croquis, carnet de voyage et carnet de bord ; à la manière des botanistes et des explorateurs de nouveaux mondes. Je travaille le medium des nomades et des voyageurs. Ces carnets manifestent les allers et retours entre la création et la réflexion. L’écriture et la lecture se font conjointement à la peinture, au dessin et à la photographie. Elles s’inscrivent dans des temporalités, la temporalité du carnet attachée au processus, la temporalité du circuit liée à l’activité nomade, la temporalité de la mise en carte corrélée à ce qui fait système, à la mies en série. Cette pratique de collecte ou de cueillette, que je lie au monde végétal, prend en effet la forme d’un travail sériel. Celui-ci impose une approche dialectique du cadrage, au regard de la pratique nomade, une forme d’errance assortie aux déplacements, et fait à terme proposition, dressant la carte des chemins de traverse et des lieux de visite ou d’activité.

Ma façon de travailler se caractérise par l’agencement de fragments, issus de la collecte, et par l’assemblage de carnets, rapporté à la collection. La collecte réunit des photographies, des textes, des croquis, des peintures, mais aussi sources textuelles et proverbiales que j’emprunte à la rue et aux personnes que j’y rencontre, qui viennent alors se confronter dans l’espace du carnet. Cette notion d’assemblage fragmentaire se retrouve dans l’atelier  – boîte noire source et ressource, à laquelle on revient au terme de l’exploration, « les poches pleines », où l’on refait le voyage de différentes manières (la fiction opère), et puis d’où l’on part, l’œil neuf, au seuil d’un nouveau circuit – ; tout comme dans le carnet, qui devient un espace en soi, un milieu, à scénographier et à construire. Inspirée également par la pratique populaire du scrapbooking (aussi appelé créacollage, originellement considéré comme le mélange entre peinture et photographie, est une technique reliée aux loisirs créatifs, donc sous considérée et clairement identifiée aux arts populaires, avec une sous technique d’assemblage intéressante directement liée à la notion de sérendipité), cette méthodologie du fragment met un point d’honneur à questionner ce qui fait lien, ce qui se relie à nouveau au questionnement de ce qui fait lieu

Mon atelier d’artiste se définit comme une “boîte noire nomade”, caractérisé par différentes étapes de travail : 

(1) la compilation, la collection, l’organisation des éléments (classification, notion “d’assemblage fragmentaire”, lien avec l’archivage, la mise en patrimoine par la récolte et l’identification ;

(2) des propositions de modélisation (celles-ci mobilisant des formes de rationalités, et recoupant différents modèles, cartographiques…) dans le cadre d’un retour critique (ce que rendent compte les illustrations proposées) et suivant une approche qui vise à mettre en lumière, à faire  « système » ; 

(3) une relance du chantier d’expérimentation à distance des terrains, bouillonnante, voire chaotique, suivant une méthodologie exploratoire, expérientielle, basée sur une réflexion procédurale ; 

(4) une prospective, marquée par le retour sur le terrain, et ouverte à une confrontation avec la réalité concrète de la friche, par le biais d’entretiens et de présentations de mon travail en contexte de friche.

L’aspect nomade des lieux alternatifs, qui constituent mon terrain d’étude, se relie directement à leur fréquentation, crayon en main, carnet de croquis en poche, et impliquent une “pratique mobile”, structurée par une méthodologie construite autour de la réflexion de la notion “d’errance”. Le nomadisme des lieux alternatifs implique leur mise en réseau, et de cela découle un questionnement critique des réseaux institutionnels de création, formation et diffusion de l’art d’aujourd’hui, et de la mise en patrimoine, c’est à dire l’écriture de l’histoire des lieux alternatifs, pour certains âgés de plusieurs décennies, en lien plus ou moins étroit avec la reconnaissance historique du patrimoine public et en lien avec l’université. La naissance de réseaux de recherche situés (reprenant la notion de savoir situé de Donna Haraway) dans les lieux alternatifs et pour parler, observer, étudier, archiver ces mêmes lieux, pose de nombreuses questions et ouvre des espaces de réflexion quant à l’idée du nomadisme de ces lieux et plus généralement interroge “ce qui fait lieu” et ce qui reste du lieu sans sa prise physique dans le monde du bâti solide (notamment lorsqu’un squat se fait expulser : que reste-t-il ?).

Le nomadisme implique aussi une circularité des approches et des méthodes dans le cœur même de mon atelier de travail. Elle exemplifie et systématise les lieux visités, et permet de construire une conceptualisation de l’espace, du lieu, et de son importance patrimoniale et écosystémique au travers notamment du poids de l’histoire et des conditions climatiques, biosphériques du lieu (température, taille, écosystème plus vaste de la friche, de ses sols, sa faune et sa flore, à l’état sauvage, avec une réflexion plus poussée sur la notion même de sauvage). 

Ce travail sur l’atelier permet d’investir une même unité, la “boîte noire”, impliquant plusieurs types d’activités et au sein de laquelle circulent (au sens poïétique et poétique du mot circuler) en lien avec la notion de nomadisme différentes approches possibles de l’écosystème de l’atelier en lieu intermédiaire. 

Sur le plan conceptuel, le caractère fertile et buissonnant de la boîte noire, en référence au domaine du végétal et à la question du milieu, permet de nombreuses mises en lien fertiles qui engagent une méthodologie transdisciplinaire. L’espace de la boîte noire permet alors d’échapper à une codification spatiale institutionnelle (comme c’est le cas dans les dispositifs boîtes noires projectifs orientés vers la fabrique de l’image), et permet de penser des espaces hors modèle à fort potentiel dans une logique de milieu, dans sa définition large comme milieu de culture, comme écosystème.

Éréthisme de la nature en ville : les dispositifs de contrainte observés par le prisme de pratiques artistiques et de pensées végétales.

Suite à l’appel à communications initié pour la Journée d’Etudes et le colloque international “Concrete Jungle. Esthétique du vivant en milieu urbain” (responsabilité scientifique : Marion Laval-Jeantet, Professeur en Arts plastiques, Université Paris 1, Institut ACTE, Aurélie Herbet, Maître de conférences en Arts plastiques, UT2J, LLA-Créatis et Camille Prunet, enseignante en Arts plastiques, UT2J, LARA-SEPPIA) j’ai travaillé un texte écrit initialement début 2020 et retravaillé à plusieurs reprises grâce aux multiples pistes de réflexion ouvertes par les croisements que propose ce cadre. J’ai également mis en peinture ce propos lors de l’épreuve de pratique plastique de l’agrégation d’arts plastiques, un post est a suivre bientôt avec des visuels de ce travail recréé ensuite en atelier.

Plus d’informations sur ce colloque ici : https://concretejungle.sciencesconf.org/

Retrouvez le programme entier du colloque en fin d’article.

Dans un contexte où l’homme repense son positionnement avec la nature, entre misanthropie et anthropocentrisme, le constat duquel nous partons est celui de la violence. Violence des dispositifs de contrainte humaine en milieu urbain. Enrochement1 (pose à intervalles serrés sur l’ensemble du terrain de lourds rochers calcaires), dépôt de larges troncs d’arbres, entraves à la circulation de véhicules, obstacles à la construction d’abris et d’habitats, douves, barrières, barbelés, innondations et défoncements de terrains au bulldozer pour les rendre inaccessibles etc. Le modèlement profond de nos paysages que ces ajouts et retraits de matières engagent, sur notre habitus visuel, notre manière d’appréhender nos espaces, induit un bouleversement perceptif dont les travaux et points de vue que nous aborderons dans cette réflexion, sont l’illustration, mais pas seulement, car ils permettent un questionnement vaste sur notre condition humaine.

En effet, si les dispositifs de contraintes en ville issus du milieu naturel refaçonnent nos paysages, un contre sens se construit quant à leur identité de matériau (bois/pierre, végétal/minéral) initialement pensé par l’homme pour construire des habitats. Leur nouvelle sémantique d’objets destinés à produire une gêne assez conséquente pour en empêcher la construction lorsqu’ils sont destinés à des populations précaires invisibilisées pose question. Par l’entrecroisement de pensées plastiques et de théories végétales, modelant notre manière de questionner ce qui nous entoure, nous analyserons les logiques de réappropriation de la nature, pour contraindre l’homme, et l’impact qu’ont ces logiques sur notre façon de vivre la ville.

L’éréthisme, terme choisi pour caractériser la violence qui nous intéresse, tire son origine dans la médecine et qualifie selon sa première utilisation une «irritation et une tension violente des fibres»2. C’est une fièvre qui consume, tourmente, irrite, tout en agissant comme un stimulant voire un excitant agressif. Ainsi la place de la nature en ville, vue par le prisme de cette tension, trouve un éclairage différent de celui qui constitue notre habitus visuel d’une nature encloîtrée, normée, réglementée selon la main de l’homme dans des optiques de partage d’un bien commun selon une vision hygiéniste. Un éclairage nouveau sur nos modes opératoires permettant d’envisager la ville comme espace vivant se dessine. L’idée d’une Umwelt3, en tant que milieu élaboré par un être vivant, dans une harmonie normée, se voit mise à mal.

Si l’on met en parallèle cette définition avec celle du mot friche, du néerlandais versch/virsch « frais, nouveau » et lant « terre »4, c’est à dire une terre qu’on a gagnée sur la mer en l’endiguant, un autre possible se dessine. La présence de la nature en ville se voit ainsi enrichie d’un aspect inexploré, négligé, à l’abandon, inemployé, avec l’idée du terrain inculte, posant les jalons d’une nouvelle conception, d’un point de vue innovant, acide, sur la question.

Ces contours définitoires posés, et avec l’aide de points de vues d’autres disciplines, plusieurs pratiques artistiques permettent une mise en lumière et une pratique réflexive de la nature en ville par l’inter-espace que crée la friche, la marge, et les façons dont ces interstices sont contrôlés et normés par des pratiques contraignantes.

La question de l’appréhension des formes et des imaginaires que le vivant génère, ce que l’art peut inventer comme gestes et comme formes en se confrontant à la place du vivant en ville, se pose. Travailler un autre rapport aux territoires vivants en les pratiquant, les observant et en se laissant investir par eux permet une prise de recul quant à nos zones de confort et à notre manière d’habiter la ville, reconsidérant par là même la place des invisibles dans la ville, et comment certaines pratiques artistiques et visions du végétal peuvent permettre de leur rendre une certaine humanité. Par invisible on entend d’abord ce qui n’est pas humain, dans un contexte où l’organisation intégrale des activités humaines y est centrée autour de l’humain, et d’une vision bien spécifique de ce dernier, dont certains humains sont finalement exclus, invisibilisés5.

La friche permet alors un espace d’ouverture, de liberté éphémère, et la façon dont celle-ci tend à être contrôlée et normée, pose question plus largement. 

En mettant en lumière certaines démarches artistiques qui travaillent en ce sens, il s’agira de reconsidérer les différents écosystèmes qui constituent la ville pour mieux penser nos relations complexes avec ceux-ci, ou comme l’exprime l’artiste Myr Muratet au sujet de sa série Wasteland : «Si ces espaces sont des habitats-refuges pour les plantes et les animaux, ils le sont aussi pour les humains»6.

Comment cette perception élargie de la ville et de ceux qui la vivent vient-elle en remodeler les représentations que l’on s’en fait ?

La ville, comme point de départ, support ou matériau à la pratique des artistes dont nous analyseront quelques travaux, est vécue comme un espace co-construit et non pas comme l’expression d’une volonté humaine de modeler le monde à son image, ou en tout cas à l’image d’une société marchande capitalisée, et d’une philosophie exclusivement centrée sur l’homme et sa temporalité. Ainsi l’axe de pensée qui guidera nos analyses sera celui d’Anna Lowenhaupt Tsing (Le Champignon de la fin du monde, 2017) et nous permettra d’évoluer dans une analyse de formes activant l’idée d’une symbiopoïèse (c’est à dire le vivre ensemble sous le modèle du holobionte, sur la base d’une cohabitation en symbiose), opposée à une pensée autopoïétique, c’est à dire une histoire des relations entre êtres vivants uniquement basée sur l’idée d’exploitation.

Dans la voie ouverte par les Situationnistes et Fluxus, la ville sous son sens grec de polis, c’est à dire comme lieu de sentiments et de conflits, peut être travaillée à la façon de Francis Alÿs : ”à partir des résidus ou des espaces négatifs, des trous, des espaces entre”7. Au travers de mediums divers, les artistes parlent de populations vivantes. En les dépeignant directement, au travers d’une ville que l’on parcourt, en montrant tout autant les jeux d’enfants, les chiens errants, les vitres cassées, que les marchands ambulants, la réalisatrice Marion Desquenne avec son film Les anonymes de la Nation (2015)8, décrit la vie des invisibles autour du quartier de la Place de la Nation à l’Est de Paris. Par le filmage façon gonzo de quatre communautés d’anonymes gravitant autour de la place, graffeurs, biffins, skateurs et travailleurs clandestins d’Europe de l’Est, elle met en lumière des communautés claniques, illégales, anonymes, et souligne leur point commun : utiliser la rue, ces friches et espaces interstitiels, comme lieu de survie ou d’expression, dans un contexte urbain où aucune place, aucune réalité n’est conférée à ces communautés. Engageant une réflexion sur la gentrification en cours, ce film est aussi un plaidoyer pour le vivre ensemble, vivre ensemble que l’on peut rapprocher de la définition qu’en donne le naturaliste Jacques Tassin, observé entre les végétaux, c’est à dire l’idée de s’inspirer des écosystèmes sylvestres et de leur “façon d’appréhender l’adversité non comme une lutte mais de composer avec elle”. Cette vision de sobriété se résume par la phrase « les forêts les plus riches sont sur les sols les plus pauvres »9. Cela induit d’accepter une autre temporalité de la ville et de l’homme que celle qui est imposée à ces communautés, temporalité qui serait plus proche du monde végétal que de la société catégorisée dans laquelle l’humain doit se construire au risque d’être considéré comme marge et donc comme gêne. 

Marion Desquenne, Les anonymes de la nation, 2015, image extraite du film, 52 minutes.

Dans une optique complémentaire, l’artiste Nicolas Michot induit par ces travaux un questionnement sur cette hypernormativité des villes, et sur les espaces de liberté possibles qu’engendre la pratique libre de la friche dans ce contexte. Par son regard et ses pratiques multiples de ces espaces abandonnés il ouvre une possibilité de réappropriation positive. L’espace de la friche, vidé de ses attributs fonctionnels permet d’ouvrir un nouvel imaginaire, un autre rapport corps/espace. Le fait de se laisser inspirer, traverser par ses lieux et leur écosystème permet donc de visibiliser les espaces invisibles, et de les transformer en lieux de projections, d’imaginaire. La destruction ouvre des points de vue, engage quelque chose à rejouer, tout comme le font les ready made, et le lieu devient support. Débarrassées de leur aspect fonctionnel les friches ouvrent sur des micro-espaces, et permettent l’apparition de micrologies anarchiques, de zones de liberté dans un cadre physique lui aussi contraignant, mettant à mal le rapport d’usage, en questionnant la codification de la ville : en zones, frontières, panneaux, symboles. Selon l’artiste10 c’est un moyen de codifier et interpréter nos instincts qui est mis en lumière, notre besoin de territorialiser les choses, car l’instinct sans codification n’est que nature sauvage. Sauvage dans le sens premier du mot, lié au domaine végétal plutôt qu’animal, contrairement à nos constructions socio-culturelles du mot, c’est à dire de la racine latine silva : la plante qui survit. Ainsi, en rapprochant cette pratique de la friche à celle de la physiologie végétale, ou phytobiologie, c’est à dire à la science qui étudie la relation des végétaux avec leur environnement, un parallèle imageant peut se construire. L’homme peut utiliser la nature et la détourner pour nuire à l’homme, dans une logique de possession et de dépossession, de construction et de destruction, qui prend forme dans l’appropriation et l’occupation de l’espace. Mais la friche comme interstice pose un problème identificatoire : elle n’est pas consommable, sauf en tant qu’action vécue, que plaisir immédiat, spontané et individuel, par exemple par le graffiti ou la fête libre, dans une idée d’éphémère et de zone qui ne peut et ne doit pas être normée. Cette vision est partagée par le naturaliste Eric Lenoir11, selon lui notre façon d’envisager, de contrôler, de contraindre nos interstices, montre quelque chose de nous, de notre environnement. Il s’agit de retourner à une pratique de la nature basée sur une idée d’instinct et d’intuition, dénuée de logique de propriété ou de marchandisation, en considérant la richesse des plantes en dormance dans le sol. 

Nicolas Michot, images de friches, 2020

Dans ces séries photographiques, Atlas of forms (2017) et Restricted Areas (2010), Eric Tabuchi collecte des éléments enfrichés, selon des critères rudimentaires de géométrie (cercle, carré, triangle, polygone) ou d’état (chantier, achevé, abandon ou ruine) qui “se combinent et se succèdent, dans une longue divagation, sorte de mélopée hypnotique avec ses récurrences et ses variantes, ses répétitions et ses ruptures, ses harmonies et ses dissonances”12. Il qualifie son travail d’ ”éloge de la diversité, de toutes les diversités”, et rend visible des espaces dénigrés, pour leur qualités esthétiques et le vide que ceux-ci convoient. Sa série Restricted Areas (2010) en particulier, met en lumière une série de dispositifs destinés à rendre des lieux inaccessibles aux gens du voyages, ce qui fait écho à la définition même des dispositifs de contrainte humaine vus en introduction de ce texte. 

Eric Tabuchi, image extraite de la série Restricted Areas, 2010

Avec un travail photographique sériel basé sur la rencontre humaine, des hommes et des plantes vivant en friches urbaines, Myr Muratet met en lumière les enjeux de domination sur l’habitat précaire. Il recense d’une part les végétaux évoluant en friche et leur grande diversité dans des travaux en collaboration avec des écologues (ceux dont le métier consiste à étudier les relations entre les organismes et le monde environnant) comme Manuel d’écologie urbaine (2019) ou Flore des friches urbaines (2017) qui recense les 258 plantes les plus communes des friches urbaines. Il décrit également les humains qui y prennent racine via un travail du portrait (série Wasteland, 2009-2019) qui lui permet d’établir un parallèle plastique entre le motif de la nature et de l’humain autour de la notion de “zone de confort” et d’utopie de proximité. Par son travail il pose la question des alternatives pour essayer d’habiter la ville autrement, et met en lumière la violence des transformations naturelles et paysagères qui découlent des gestions des flux humains. Avec son travail autour de la frontière de Calais intitulé Calais, 29 km d’un dispositif de haute sécurité (2016) il rend visible les couloirs de clôtures surmontées de barbelé concertina (paré de lames de rasoirs), du creusement de douves, du déboisement et des inondations des terrains aux abords des terminaux du tunnel sous la manche. Ces dispositifs pensés pour gêner la progressions des clandestins, permettre leur surveillance et faciliter l’intervention des forces de l’ordre sont pensés et réalisés à l’échelle d’une ville entière pour contraindre l’homme. Myr Muratet en fait une pierre angulaire de son travail : “le dispositif surveille et contraint tout le monde et modèle profondément l’espace”. Ainsi, la nature en ville, les espaces de friches qui peuvent représenter des habitats transitoires pour des populations fragiles, deviennent pour Muratet des “espaces meurtris” qui permettent de redéfinir les friches comme des “structures complexes qui abritent une disparité de conditions de vie”. Selon lui : “elles peuvent générer des viviers de biodiversité comme elles peuvent les détruire. Elles sont elles-mêmes des organismes qui se développent, mutent, périclitent”13.

Myr Muratet, image extraite de la série Calais, 29 km d’un dispositif de haute sécurité, 2016

Myr Muratet, images extraites de la série Wastelands (2011-2018), et City Walk (2017-2018) : enrochement, pierre et bois.

Le botaniste Boris Presseq (Museum de Toulouse) engage en 2019 une action sur la voirie toulousaine : il identifie à la craie le nom de la flore urbaine méconnue, spontanée, qui pousse dans les anfractuosités du bitume, et ce dans une démarche de sensibilisation à l’existence et à la préservation de la flore sauvage. Interrogé sur sa pratique14, il cite quelques bienfaits des plantes urbaines sauvages : réduire les écarts thermiques qui abîment les murs en les ombrageant, lutter contre l’imperméabilisation des sols en permettant l’infiltration et donc des murs et des sols plus sains, créer des îlots de fraîcheur, et plus généralement repenser la place de la nature en ville et par conséquent place de l’homme en ville. En effet, en contexte hostile, les stratagèmes et la force colonisatrice des espèces moribondes sont puissants. La plasticité génétique des végétaux, c’est à dire l’énormité des réponses possibles à une situation d’éréthisme, engagent une créativité dont l’homme pourrait s’inspirer. Le besoin de changer de regard se fait pressant selon lui, la rupture avec le végétal vient de trois topoï inébranlables de l’anthropocentrisme contemporain : l’inertie de la nature dans l’oeil culturel de l’homme (point de vue fixe, la nature est inerte, elle n’est donc pas aussi vivante que l’homme), la domination qui en découle (tailler, tondre, les jardins à la française) qui est renforcée par l’idée insupportable à l’humain d’immortalité du végétal et le combat inconscient contre le végétal (mutiler les plantes pour effacer leur immortalité). Il mentionne aussi la dissonance cognitive entre l’idée de l’animal, en particulier du mammifère, qui n’a que deux états clairement identifiables : mort OU vivant, et le végétal, plus complexe car cyclique, qui continue de vivre même si on en coupe une partie (voir à ce sujet Florence Burgat et l’anecdote de l’olivier de Théophraste15). Cette rupture met donc l’homme en position d’exploitant, et lui permet d’invisibiliser certaines espèces, comme les espèces exotiques envahissantes (frelons asiatiques, ou encore microbes) qui sont marginalisées, vues comme néfastes. La transposition que l’on peut alors faire avec l’humain est sans appel : migrants, précaires, marginaux y sont identifiés, comme “espèces envahissantes” et comme catégories inférieures d’humanités, et leur contraintes par ces dispositifs correspondent à la volonté de domestication et normativité extrême du monde végétal. 

Boris Presseq, Morelle noire, craie sur trottoir, 2019

Que pouvons nous conclure de ces analyses ? Le monde végétal peut être réapproprié par des forces contraignantes et normatives, induisant un cercle pervers dans lequel l’homme est empêché d’habiter par les matériaux mêmes de base de l’habitat. Le paysage est parfois profondément modifié, voire blessé, par la main de l’homme et à nouveau pour contraindre l’homme, réactivant cette image de cycle autodestructeur. La friche comme espace de liberté et de résistance, par la diversité de ces habitants, végétaux ou humains, peut alors ouvrir de nouvelles possibilités réflexives et des espaces de création et de questionnement, libres, au moins pour un temps, qui permettent, par l’observation de la nature, de comprendre l’homme.

Bibilographie

Ouvrages :

BABARIT Marc, BRUNI Gilles, Le jardin dans la friche,Éditions Zédélé, Brest, 2006.

BAZIN Hugues, Espaces populaires de création culturelle – Enjeux d’une recherche-action situationnelle, 2006.

BURGAT Florence, Qu’est-ce qu’être une plante ? Essai sur la vie végétale,Paris, Seuil, 2020.

CLÉMENT Gilles, Manifeste du tiers paysage, Éditions du Commun, Paris, 2014.

BURRET Antoine, Tiers-Lieux et plus si affinités, Limoges, FYP, 2015.

LATOUR Bruno, Les microbes : guerre et paix, Editions La découverte, 1984.

LEMOINE Stéphanie, OUARDI Samira, Artivisme, Art, Action politique et résistance culturelle, Paris, éditions Alternatives, 2010.

LENOIR Eric, Petit traité du jardin punk, Éditions Terre Vivante, Saint-Baudille-et-Pipet, 2018.

MAUNAYE Emmanuelle (éd.),Friches, squats et autres lieux: les nouveaux territoires de l’art ?, Arles, France, Actes Sud, 2004.

MURATET Audrey, MURATET Myr, PELLATON Marie, Flore des friches urbaines, Editions Xavier Barral, Paris, 2017.

RAFFIN Fabrice, Friches industrielles. Un monde culturel européen en mutation, Logiques sociales, Paris, L’Harmattan, 2007.

TASSIN Jacques, Penser comme un arbre, Editions Odile Jacob, Paris, 2020.

VANHAMME Marie, LOUBON, Patrice, Arts en friches, Usines désaffectées : fabriques d’imaginaires, éditions Alternatives, Biarritz, 2001.

Articles : 

DURAND Jean-Marie, “Le petit peuple de la place de la Nation”, in Les Inrockuptibles, mai 2015, via 

https://www.lesinrocks.com/2015/05/12/medias/medias/le-petit-peuple-de-la-place-de-la-nation/

LESTRADE Didier, “Le guide du jardinier punk”, in Slate, décembre 2018, via  https://www.lesinrocks.com/2015/05/12/medias/medias/le-petit-peuple-de-la-place-de-la-nation/ 

Sitographie : 

https://www.myrmuratet.com
https://www.erictabuchi.net

Sources visuelles :

DESQUENNE Marion, Les anonymes de la nation, 2015, film, 52 minutes, Editeur Gad Productions

PRESSEQ Boris, mini vidéo Brut Nature par Florian Thomas (2019) via 

https://www.brut.media/fr/entertainment/toulouse-ce-botaniste-trace-a-la-craie-le-nom-des-plantes-sauvages-f1bbaded-03d9-4f27-9f66-f7bbea25df31

Corpus d’images (dans l’ordre d’apparition) : 

DESQUENNE Marion, Les anonymes de la nation, 2015, film, 52 minutes, Editeur Gad Productions

MICHOT Nicolas, Images de friches, Toulouse, 2020 

MURATET Myr, série photographique, Calais, 29 km d’un dispositif de haute sécurité, 2016

MURATET Myr, série photographique Wastelands (2011-2018), City Walk (2017-2018)

PRESSEQ Boris, Morelle noire, processus d’écriture à la craie sur trottoir, 2019

TABUCHI Eric, série photographique Restricted Areas, 2010 in Atlas of forms, octobre 2017


  1. voir l’illustration de l’enrochement dans les visuels des travaux de l’artiste Myr Muratet []
  2. via https://www.cnrtl.fr/etymologie/éréthisme  []
  3. traduction allemande du français environnement, qui appelle plutôt au sens d’un monde qui nous entoure, nous enveloppe, et dont nous faisons partie intégrante. []
  4.  via https://www.cnrtl.fr/etymologie/friche  []
  5.  voir à ce sujet le traitement des microbes dans Les microbes : guerre et paix, Bruno Latour, Editions La découverte, 1984. []
  6.  via https://www.myrmuratet.com l’artiste s’exprime au sujet de sa série photographique Wasteland (premiers temps, 2009-2010). []
  7.  via https://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=552  []
  8.  à ce sujet voir l’article https://www.lesinrocks.com/2015/05/12/medias/medias/le-petit-peuple-de-la-place-de-la-nation/  []
  9.  via Jacques Tassin, Penser comme un arbre, Editions Odile Jacob, Paris, 2020. []
  10. propos recueillis lors de divers entretiens en février et mars 2020. []
  11.  via l’ouvrage d’Eric Lenoir, Petit traité du jardin punk, Editions Terres Vivantes, 2018. []
  12.  via https://www.erictabuchi.net/Atlas-of-Forms-book  []
  13. via https://www.myrmuratet.com  []
  14.  entretien mené en mars 2020. []
  15.  Théophraste, philosophe de la Grèce antique, remarque qu’un ” olivier qui avait été un jour complètement brûlé reprit vie tout entier, corps d’arbre et frondaison ” via Florence Burgat, Qu’est ce qu’une plante ?, Seuil, 2020. []

Projet de thèse en l’état : première année

Voici le premier écrit de mon travail de réflexion que je publie ici afin de pouvoir donner une base claire et transparente qui sera à remettre en perspective constamment avec les avancées de mes travaux.

Poïétique et patrimonialisation en Nouveau Territoire de l’art Expériences du tiers-lieu au travers des pratiques de carnet 

sept. 2019

Résumé 

Le tiers-lieu artistique et son histoire impliquent des conditions et effets sur la poïéique. Les interactions entre un lieu, sa nature, son inscription historique et patrimoniale, avec les conditions de création, sociales, anthropologiques, créatives, des plasticien.nes, sont un terrain d’expériences et de problématiques dont l’outil carnet permet de cristalliser les enjeux et tensions. En s’inspirant des méthodes de dessin d’observation et de collecte des botanistes, tout en s’inscrivant dans l’évolution contemporaine du carnet d’artiste, un travail d’observation, de définition et de dé-définition questionne et met en abîme les interrelations et intermédiations qui se jouent dans ces lieux particuliers, afin d’expérimenter les sédimentations de la matériologie de la friche et des artistes qui l’habitent, et de questionner, ce qui fait friche, tiers ou marge dans l’art des squats. 

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Musée Igor Balut au 59 Rivoli, Paris, novembre 2019

Dans la perspective d’amener à un niveau supérieur de profondeur et de remise en question ma recherche entreprise en master d’histoire des arts (17/20 mention TB), j’envisage une thèse dès septembre 2019, en arts plastiques, afin d’y intégrer ma pratique et de la lier avec mes interrogations théoriques dans un esprit de dialectique. Je souhaite appliquer à ma thèse de création-recherche la rigueur méthodologique de ma formation en HDA, tout en me conformant aux attendus plus précis du département Arts Plastiques, et en m’engageant avec sérieux dans les activités scientifiques du laboratoire LARA-SEPPIA. 

La transversalité de ma problématique invite à construire des outils théoriques s’inspirant de diverses approches, et nécessitant un recul critique et méthodologique continu, ainsi qu’une rigueur forte. D’où l’envie de vouloir travailler avec M. Patrick Barrès et Mme. Sophie Lécole Solnychkine, dont certains écrits et travaux artistiques m’ont directement influencée pour mes travaux antérieurs. Je pense notamment au livre Expériences du lieu de Patrick Barrès et à la journée d’étude organisée par Sophie Lécole Solnychkine “Végéter – une écologie des formes à partir du végétal”. Ces derniers travaux m’ont introduite à un point de vue plus proche de la nature et de la botanique, duquel je me suis servie dans mon M2 pour mettre en lumière certains enjeux territoriaux et patrimoniaux, et pour illustrer la déconstruction de stéréotypes que j’ai tenté d’engager par rapport aux artistes créant en milieu marginal. Explorant ainsi la piste du carnet de dessin et d’indexage du botaniste appliqué au milieu naturel de la friche et de ces artistes, le carnet semble pouvoir jouer un rôle d’archivage, d’indexation des pratiques de création et de leur diversité, se posant donc comme un outil de la patrimonialisation des lieux interstitiels. Il s’agit maintenant de définir les termes clé de ma réflexion et de faire transparaître à tous les niveaux de ma recherche, en particulier dans la pratique, la notion de friche. Je m’intéresse à la poïétique en milieu alternatif, en particulier en squat et post-squat d’artiste, et autre interlieu, réunis sous l’appellation générique Nouveau Territoire des Arts (NTA). J’ai débuté mes recherches et mon engagement dans ces lieux il y a dix ans à Berlin au Tacheles notamment, puis à Paris au 59 rivoli, mais aussi dans d’autres lieux ou j’ai pu effectuer des voyages 

d’observation et des entretiens, comme par exemple à la Friche Lamartine à Lyon. Mon master recherche m’a permis d’approfondir et de structurer mes réflexions avec une rigueur qui m’a été toute bénéfique, imposée par mon exigeante directrice Mme Evelyne Toussaint. Elle m’a permis de reconsidérer critiquement la militance de mon engagement et d’incorporer un point de vue historien et théorique dans mes écrits. J’ai travaillé sur deux lieux toulousains : La Chapelle et Mix’art Myrys, en m’intéressant, tout comme je l’ai fait pour les lieux précédemment cités, à deux aspects précis comme base et matière première de travail. Les archives de ces lieux et les questions soulevées par la patrimonialisation des squats ayant plus de vingt années d’existence. J’ai enrichi ma réflexion d’entretiens avec les plasticiens qui pratiquent ces lieux. Mme Toussaint savait dès le début de mon master que j’évolue dans la recherche avec une pratique plastique en parallèle, et que je souhaite enseigner en école d’art. La pratique prenant une place de plus en plus considérable, nous avons convenu ensemble qu’une thèse en arts plastiques me correspondait mieux, et permettrait d’explorer la dimension dialogique entre création et réflexion. Je profite dès cette rentrée également d’une première expérience de communication scientifique dans le cadre d’un cycle de conférence d’histoire des arts au Pavillon Blanc de Colomiers ainsi que dans un cycle de deux journées d’études où j’ai été invitée à participer dans le champ plus précis de mon sujet, à Paris au 59 Rivoli pour le projet “Archives Communes pour lieux hors du commun”. 

Ce début de thèse représente une opportunité pour reconsidérer radicalement ma pratique et la mettre au coeur de ma démarche de chercheuse. Afin d’accompagner cela, je met cette année en place un accompagnement personnalisé avec Jean-Philippe Escafre, qui enseigne le dessin, pour pousser ma pratique plastique plus loin dans l’idée de la friche, du tiers-lieu, de la définition même du terme “tiers”, avec comme objectif une mise en perspective théorique qui puisse se baser, partir de, ma pratique. 

Je m’intéresse à la poïétique en contexte de tiers-lieu, et aux interactions entre un lieu, sa nature, son inscription historique et patrimoniale, avec les conditions de création, sociales, anthropologiques, créatives, des plasticien.nes. La multitude d’expériences du lieu, d’effets du lieu, m’intéresse. Le choix du double axe archives/entretiens m’a permis jusqu’ici d’expérimenter les sédimentations de la matériologie de ces lieux et des artistes qui les habitent, tout en étant consciente du travail de déconstruction à effectuer concernant les clichés et stéréotypes s’y logeant. Le travail de pratique viendra apporter un autre point de vue qu’il faudra lier avec l’analyse d’archives et le traitement d’entretiens libre n’ayant pas de forme méthodologique sociologique, présentant ainsi, eux-mêmes, une “mise en friche”. 

Le lieu et son histoire impliquent des conditions et effets sur la poïétique, et lors de mes deux années de recherche en terrain toulousain j’ai pu constater une cristallisation de ces tensions dans l’outil de travail carnet, agissant comme catalyseur de questionnements et de recherches chez certains artistes dont le travail m’a particulièrement intéressé. J’aimerais approfondir ces liens et ces tensions et essayer de comprendre les interrelations et intermédiations qui se jouent dans ces lieux particuliers. 

La méthode que j’aimerais utiliser lierait une approche empirique via des études de cas en situation, en utilisant ma pratique autour du carnet pour en questionner son rôle dans le processus créatif, rôle de support, d’outil. Ce à quoi j’aimerais lier des entretiens et observations d’artistes actifs en friches, et une recherche théorique sur les enjeux et notions de ces axes de réflexion, en poussant ma curiosité intellectuelle vers des disciplines comme le paysage, la philosophie, la géographie culturelle, l’anthropologie, l’esthétique, la médiologie, la sociologie de l’art et les études culturelles. 

L’objectif de mon projet serait d’aider à mieux comprendre ces lieux et leurs artistes en déconstruisant les stéréotypes qui y sont liés dans l’imaginaire artistique collectif. Il s’agit de démontrer qu’ils sont des viviers artistiques, des écosystèmes à part entière, acteurs de larges réseaux, interagissant de manière particulière et intéressante avec l’institution, questionnant de nombreuses notions et permettant une riche hodologie réflexive. 

Néanmoins, ce sont aussi des lieux qui sont pénalisés par des idées préconçues excluantes qui discréditent leur propositions intellectuelles et artistiques au nom d’une excellence culturelle dans laquelle la pratique amateur, autodidacte et alternative n’aurait pas sa place. 

1) Premiers axes de recherche 

a) Nature 

Le parallèle avec la nature dans la réflexion sur les NTA (ex-squats) permet d’ouvrir les questionnements à d’autres espaces mentaux. L’idée que les artistes créant en milieu marginal sont semblables aux “mauvaises herbes” qui reprennent possession des friches industrielles abandonnées pour y cultiver une nature diverse et libre, subissent des discriminations et catégorisations de par la géographie même de leur lieu de travail, porte à reconsidérer le concept de déterritorialisation de Deleuze et Guattari. Dans une moment de passage où le graffiti peut être une exemplification de la seconde vie de ces lieux, la question de la place de l’artiste en squat, de sa catégorisation dans le monde de l’art, des stéréotypes qui lui sont affiliés, et de leur conséquences, se pose. 

Il semble alors intéressant de s’inscrire dans la lignée des idées développées notamment par Gilles Clément sur le tiers paysage mais aussi sur les travaux de certains chercheurs ayant exploré les terrains en marge comme celui de Notre Dame des Landes par exemple, avec des relevés botaniques, des recherches photographiques et des coupes et plans architecturaux. Ce pan de recherche assez nouveau interroge notre façon d’appréhender ce nouveau patrimoine, industriel, déchu, de la transition sociétale dans laquelle nous vivons, et ainsi, mettre en lumière les possibilités diverses d’un avenir, mais aussi les malversations perverses d’exploitation de ces espaces, comme par exemple la spéculation immobilière qui récupère à son compte les caractéristiques esthétiques du “mouvement squat” (DIY, graffiti etc). Exploiter le pan naturel et écologique de la recherche en lien avec l’art permet donc de construire des outils de travail pour appréhender et mieux comprendre le sujet. 

Il s’agit de mieux envisager l’écosystème de la friche, répondant ainsi à des enjeux esthétiques, formels et plastiques, en tentant de les relier à des micro-phénomènes naturels, utilisant la biosphère pour pouvoir les illustrer et les explorer. 

b) Récit 

Le point de vue archivistique est intéressant dans le sens où il autorise une base de ressources, une sédimentation de documents d’une diversité inépuisable, entre l’archive orale, vidéo, papier, photographique. L’archive représente un intérêt dans le sens où elle cristallise le 

processus de patrimonialisation et ses ambiguïtés dans le milieu alternatif, mais est aussi une véritable matière première plastique. Que font les artistes du passé du lieu qu’ils occupent ? 

Le récit se retrouve également dans la forme plastique du carnet, avec un aspect narratif, qu’il suive le parcours d’une idée de sa genèse à sa réalisation, utilisé comme support, outil de travail et de réflexion, ou bien comme objet artistique à part entière. Le carnet semble alors cristalliser un point nodal entre différentes façons d’appréhender l’art, mettant en lumière l’art dit populaire et les catégories considérées mineures (scrapbooking, aquarelle, collage). Le carnet est connoté et son histoire m’intéresse. Tout comme les arts dits mineurs, à la base de ma pratique. 

Lier ainsi le monde archivistique, envisagé presque comme un milieu naturel, le terrain industriel en décombres et ce qui en naît, via l’objet carnet, ce qu’il représente, ce qu’il autorise, permet un angle d’étude particulier, qui peut se relier avec les carnets de croquis de botanistes comme Francis Hallé, suivant une logique d’indexation et de patrimonialisation appliquée au monde alternatif. Les notions de collecte, le passage de la collecte à la collection, puis à l’indexation, voire au référencement, les nuances entre ces termes, devront être exploités en premier lieu, avec un cadre de références autour du carnet d’artiste contemporain et de ces déviances dans diverses directions marginales autour des pratiques alternatives des années 1980 à aujourd’hui qu’il faudra construire et fortifier au travers d’une intense recherche liée aussi à l’avancement des explorations pratiques. 

c) Pratiques 

La pratique artistique de l’interstice, de l’occupation, se décline en de multiples approches. En explorer la diversité via les entretiens d’artistes, mais aussi via un travail de collecte, d’observation, sous forme photographique, textuelle, de croquis et de collage mis ensemble en la forme de carnets, pourrait être une façon de lier entre eux ces éléments et de mettre en abîme pratique et réflexions sur les notions d’archive, de poïétique, de carnet. 

Il s’agit d’explorer diverses réponses au lieu et à ses effets sur la poïétique chez d’autres artistes, mais aussi d’en expérimenter les effets sur ma propre pratique en m’envisageant pleinement comme artiste-chercheuse. Le point de départ des carnets de botanistes peut-être intéressant mais il faut l’exploiter de sorte à ne pas rester dans la superficialité, ce pour quoi je pense avoir besoin d’aide et de conseils. Il s’agit peut être aussi à terme de réfléchir à comment ne pas se faire “enfermer” dans le format carnet, et à quelles conséquences voir à quelles impasses et écueils cela pourrait mener, afin de les éviter. 

Il s’agit donc de mettre la création, la pratique, au coeur de mon travail, afin d’éviter l’écueil de fuite et de protection derrière les mots. Un travail de prise de distance par rapport au dessin d’observation, ou au dessin d’après photographie doit être envisagé au plus vite afin d’assumer et d’exploiter cette prise de risque. 

La question du regard et de son déplacement, sa migration, dans la conceptualisation du dessin, afin de mettre en culture et en pratique le regard et de permettre au terme friche de traverser les différents niveaux de pratique. Pratique en friche, entretien en friche, archive en friche, méthodologie en friche, ces associations peuvent être porteuses de sens et représenter un élément liant, assurant une cohérence de propos entre les polarités de ma recherche. 

Il s’agit de questionner ce qu’il y a de “tiers” dans ma pratique, 

La recherche-création que j’envisage suit une logique hodologique, et pour cette raison particulière le carnet me semble être un outil adéquat. Il s’agit donc maintenant d’en questionner ses représentations et significations. Mais aussi de faire des recherches plus approfondies sur sa valeur dans l’histoire de l’art et sur sa présence dans l’art actuel. Reste à voir si dès le début le choix se restreint, ou non, sur les carnets de type indexage botanique/zoologique. 

2) Méthodes de recherche envisagées 

a) Possibilités de mise en oeuvre 

Les questions des limitations de mon sujet est celle qui m’habite essentiellement pour le moment. J’aimerais donner à mon travail un aspect plus international et ouvert et ne pas me limiter au terrain toulousain, même si celui-ci pourrait absolument être le sujet d’un travail de thèse. Parlant quatre langues couramment et ayant fait une année d’université en Angleterre, j’aimerais écrire une version de ma thèse en anglais, et travailler sur un corpus de lieux et d’artistes internationaux. 

Il s’agirait ainsi de fixer un calendrier de travail échelonné de rendus et de réorientations, et possiblement aussi de voyages d’étude dans les lieux sélectionnés dans le corpus qu’il faudra établir ensemble au préalable. 

b) Entretiens : plasticiens, chercheurs, et plasticiens-chercheurs 

Les entretiens vont permettre d’identifier un peu mieux la rhizosphère des artistes travaillant en NTA, mais aussi des multiples réseaux de chercheurs qui se construisent actuellement dans le domaine. L’échange intellectuel que permettent les entretiens, comme j’ai pu le constater en ayant basé mes recherches en parties sur cet outil pendant mon master, permet souvent d’obtenir de nouvelles références de lectures, ce qui pousse à envisager la période des entretiens plutôt en première partie de thèse, en même temps que les lectures. Il faudrait ainsi constituer ensemble un corpus et voir combien de personnes il faudrait voir et de quoi il faudrait accompagner les entretiens (vues d’atelier, photographies) pour rendre cette matière opérante dans le cadre d’une thèse et la lier avec la pratique. 

c) Enjeux épistémiques 

L’enjeu principal est de déconstruire les a priori sur les artistes travaillant en milieu alternatif et décloisonner les disciplines quant à cet objet de recherche tout en cultivant un prisme de réflexion artistique et plastique. La question du qu’est ce qui fait tiers, qu’est ce qui fait friche, et qu’est ce qu’on en fait, la notion de formes tierces, de tiers, dans la pratique, seront la première entrée dans ces réflexions, qui devront être absolument liées, et même partir de, ma pratique. 

Les lieux alternatifs s’organisent depuis plus de dix ans progressivement en réseaux de recherche dans lesquels j’ai néanmoins constaté un manque de point de vue artistique, auquel est souvent préférée la sociologie, ou encore l’urbanisme, sans réelle transdisciplinarité. Ce travail pourrait répondre à des problématiques plastiques et esthétiques de production des artistes 

contemporains hors-système et de ce que cela dit justement sur notre société et le marché de l’art avec toutes les finesses et nuances qui en font l’intérêt. Lors de la journée d’étude “Végéter – une écologie des formes à partir du végétal” organisée par Sophie Lécole Solnychkine et Camille Prunet l’objectif était de “repérer des modèles d’organisation, de formes, une écologie des images permettant d’identifier les “surfaces d’échange” (Francis Hallé) entre disciplines” optique dans laquelle j’aimerais placer mon travail car je trouve ce point de vue sur la recherche ouvert tout en restant exigeant. 

Il faudra s’imposer une rigueur et une méthodologie particulières, liées aussi au fait de ne rien présupposer, de laisser venir, de co-construire, ne pas savoir à l’avance où l’on va. L’analyse et l’exploitation du lien carnet/atelier, de la posture de l’artiste-chercheur ou de l’artiste-curateur pourra être explorée via l’idée du laboratoire ouvert au public (comme l’atelier d’artiste dans la friche), via la dialogique du dedans/dehors, mais aussi l’articulation texte/image, texte/dessin. 

Bibliographie indicative : 

ARDENNE Paul, L’art dans son moment politique, Écrits de circonstance, Ante Post, Bruxelles, 2000.

BARRÈS Patrick, Expériences du lieu : architecture, paysage, design, Archibooks + Sautereau éditeurs, Paris, 2008.

BHABHA Homi K., RUTHERFORD Jonathan, “Le tiers-espace”, in Multitudes, 2006/3 (n°26), pps 95 à 107, via https://www.cairn.info/revue-multitudes-2006-3-page-95.htm?contenu=article

BOUILLON Florence, Les mondes du squat, PUF, Paris, 2009. CLÉMENT Gilles, Manifeste du tiers paysage, Éditions du Commun, Paris, 2014.

CLÉMENT Gilles, Thomas et le voyageur, Éditions Albin Michel, Paris, 2011.

COLIN Bruno et GAUTIER Arthur (dir.), Pour une autre économie de l’art et de la culture, Toulouse, érès, 2008.

DE CERTEAU Michel, L’invention du quotidien I. Arts de faire, Folio Essais, Gallimard, Paris, 1980.

DELEUZE Gilles, GUATTARI Félix, L’Anti-Oedipe, Capitalisme et schizophrénie, Éditions de minuit, Paris, 1972.

DELEUZE Gilles, GUATTARI Félix, Mille plateaux, Éditions de minuit, Paris 1980.

LAHIRE Bernard, La culture des individus, dissonances culturelles et distinction de soi, La découverte, Paris, 2004.

LAURENS Christophe, Notre Dame des Landes ou le métier de vivre, dessins des étudiants du DSAA Alt U, photographies de Cyrille Weiner, .

RAFFIN Fabrice, Friches industrielles. Un monde culturel européen en mutation, Logiques sociales, Paris, L’Harmattan, 2007

SERRALONGUE Bruno, Comptes rendus photographiques des sorties des Naturalistes en lutte sur la ZAD de Notre-Dame-des-Landes, août 2015-avril 2017, Editions GwinZegal, 2019 

Intérêts de recherche : 

poïétique, nature/végétal en lien avec la friche, carnets d’artistes, intimité, mal-logement, art en prison et milieux difficiles, squats d’artistes, effets du lieu sur la création, création contemporaine à toulouse et au delà, jeunes artistes femmes, graffiti et street-art, interrelations entre alternatif et institution, lieux de création alternatifs, histoire des artistes marginaux 

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